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品读王自安音乐诗《苏菲》
原诗—— 苏菲 /王自安 音乐：风旋出的空旷。雨： 击打过的窗玻璃。女声停歇在 无言的对视里。苏菲站在泉水边 望着逝水从心灵消逝。 听得见的风景在远方生长。内心深处 苏菲，陌生者从不超越我们， 他在我们之间寻找出路。 他从不在我们最熟悉的心中停留。 苏菲啊：他是过客，是音乐！ 温经天诗评(匿名稿件) 我不晓得诗中的苏菲是不是指爱尔兰歌手苏菲.珊曼尼。但我从诗中读到了一个女子对世界和时光的态度，对世界，从容置身，对时光，通过音乐之女声得以深情挽留。关于音乐本身和音乐之外的意识理解，作者运用娴熟的通感和直觉去领悟，音乐之生长的气场，音符变化的镜像，女声制造的心灵图景一幕幕演绎着，从远方到内心，从内心到远方。现代诗的本质就是个体叙说，也是一种远方的诗说。它是从属于每一个心灵单元的艺术文体。作者在第二节展开与歌者苏菲的隐秘告白，音乐是关于灵魂与灵魂之间的熟悉感应，自然天成的默契和相映，是听者（这里指作者）与歌者的相向而行。而音乐的另一个秉性则是具有时间属性的艺术漏斗。音乐将听者过往的情感生活截留，印在历史记忆中提纯并封存。不管随后何时，音乐重新响起，听众都将与音乐保持更密切的
钢琴艺术中的“现代主义”风格
多瑙河公益讲座分享Ⅲ 风格的概念 风格，是指具有独特于其他人的表现，打扮，行事作风等行为和观念。在艺术领域，风格是指艺术作品在整体上呈现的具有代表性的独特面貌。 现代作品 20世纪是一个节奏非常快速
我的音乐会（第一期）
观众须知 为了创造一个良好的音乐会试听环境，请所有到场的观众朋友详读以下须知： 1、 本次音乐会不卖门票不排座位，请大家入场后寻找空的座椅入座，若座椅不够请与我们工作人员联系。音乐会期间请勿搬动座椅所在位置，以免影响现场秩序。 2、 请所有参加观看本次音乐会的朋友至少提前10分钟入场，音乐会将于20:00准时开始。 3、 观看音乐会期间请务必将手机调至静音，台上歌手演唱时请勿喧哗、请勿相互交谈，
冯季清教授音乐讲座
应听众要求，加一场演讲！来自下层社会的震撼叙事——真实主义歌剧《乡村骑士》3月22日星期日下午一点现场：法拉盛图书馆剧场线上： Zoom都说艺术须“源于生活”又“高于生活”。但这一根基与目标的崇高关系，被十九世纪末的一部著名短歌剧所颠覆。西西里安美景，意大利乡土人情，婚外情敌的激烈冲突，神灵与尘世的两重天际，扣人心弦的咏叹调... ... 。讲座让您沉浸于真实主义歌剧的人文魅力之中。冯季清，现居纽约。上海师范大学音乐学院音乐学教授、男高音歌唱家、中国音乐家协会会员。早年毕业于上海音乐学院，先后师从著名声乐艺术家周小燕教授和著名音乐学家谭冰若教授。澳大利亚南昆士兰大学访问学者。曾任中国西方音乐研究会理事，上海演讲协会理事，第三届亚洲音乐节新人歌手大赛总策划与评委等。曾任上海师大音乐系副主任、上海师大音乐学院副院长、国际交流中心主任等职。常年从事学术讲座和社会音乐普及工作，作歌唱艺术、交响艺术、歌剧艺术等各类审美讲座计2000余场。Join Zoom Meetinghttps://queenslib.org/3NJnZW2Meeting ID: 833 4743 6473Passcode:
钢琴艺术中的“古典风格”
多瑙河公益讲座“钢琴艺术中的风格审美”分享Ⅰ 风格的概念 风格，是指具有独特于其他人的表现，打扮，行事作风等行为和观念。在艺术领域，风格是指艺术作品在整体上呈现的具有代表性的独特面貌。 古典风格【1
拿什么拯救失眠
黄少辉短文集 / 第96集 2017/07/21 作为一个非职业文学创客，我也时常会尝试着写一些歌词，创作的核心内容都是源于自我在情感生活中的体验和思考，但是再好的歌词都要结合优美的音乐旋律才能与听众产生情绪上的共鸣。 在听歌的过程中，听众通常是首先被优美的音乐旋律所吸引，然后一遍又一遍跟随着音乐创造的氛围去理解歌词想要达到的意境，同时自发的去整理思绪，重新设立一个心态，由被动从而转变为主动。 能
歌唱 戏剧 说话
教研专题：音乐之思/朱静 曾经感觉钢琴演奏就是歌唱性的艺术，通过德国钢琴演奏考学的洗礼，发现，钢琴演奏的基础确实是歌唱，但更高级的就应该延伸到说话的层次了。 把钢琴演奏视为一种“歌唱性的艺术”，意即通过琴键来完成内心情感的宣泄，这样会便于达到与自我内心的一种理解和沟通。更确切地说，民族风和浪漫派的乐曲更侧重于“歌唱性”，比如，中国的民间改编曲、肖邦的乐曲、舒伯特的音乐等等，它们更具抒情性也更具广泛的传播性。
范·克莱本比赛现场手记——不是弹好钢琴，而是弹好音乐厅
在范·克莱本比赛现场做观众，让我认识到音乐现场与流媒体直播有多么的不同。首先，这种反差的形成，源于克莱本比赛直播超一流的录音与摄像，它将钢琴家的个人魅力最大化地呈现在了画面中。演奏者的身体语言、手指功夫，乃至神情沉浸忘我的瞬间，都被镜头放大，为音乐带来额外的视觉加成，甚至在某种程度上美化了演奏本身。然而，作为视频观众难以察觉的是，这样的呈现其实压缩了演奏者之间的真实差距。这种差距，只有在音乐厅中，将不同演奏横向比较时，才能显现。坐进音乐厅，没有超近距离的镜头聚焦，台上的演奏者只是一道远处的身影，视觉冲击不再强烈；而环境中的混响、座位间的声场差异，让听者对于演奏的细节感受变得模糊。在这样的现场，谁的声音更有穿透力、谁的表现力与感染力更加强烈，能否创造与观众的联结，变得最为重要。克莱本高级的录音系统，虽能完美捕捉近距离下钢琴的美妙声音，却难以体现琴声与音乐厅之间的互生关系——即声音和空间的彼此生成、互相塑造。具体表现在声音的平衡、音质、体量、空间维度。而这些，在演奏现场则格外“暴露”。在现场，声部之间的平衡稍有偏差，都会被放大。我对比过一些片段的现场和回放，发现在现场听起来略显失衡的段落，
怎样学习巴赫音乐作品
文/朱静 巴赫的作品一直是中国琴童的棘手课题，甚至有部分老师也不知巴赫音乐所云何物。一般来说，如果老师不能够很清晰地了解巴赫，那他(她)也就不可能很好地把巴赫的音乐赋有创造性地解释给学生，所以最根基的地方是对巴赫音乐理解不够透彻、解释不够明白、表达的不够清楚。怎样传达巴赫?这里涉及三个层级的层层递进。 怎样认识巴赫作品 巴赫的音乐虽然赋有情感，但我们仅仅从从情感的角度认识它是远远不够的。相对于其他古典音乐，巴赫的音乐是理性化的。他的音乐有自己特有的构造，而且这样的构造是有迹可循的。这个规律的素材在哪里？在他的创意曲里。可以说，巴赫的音乐就是一个思维创意的过程，他的二部创意曲和三部创意曲集里有各种他的创意思路，这些构成了他复调音乐的基础模型。